1. 太陽雨:1980年代至今的東南亞當代藝術|高雄市立美術館
「太陽雨:1980年代至今的東南亞藝術」(以下簡稱「太陽雨」),係由近年頗獲矚目的策展人片岡真實擔任總策展人,連結十四位來自東京森美術館與國立新美術館以及東南亞獨立策展人共同策畫,繼2017年於東京森美術館之後,於高雄市立美術館巡迴展出。
「太陽雨」的概念來自東南亞地區常見的天氣現象:在陽光照耀之際,有雨水灑落。多變複雜的天氣同時隱喻東南亞各國經歷殖民、獨立、獨裁與民主化的歷史變遷,以及晚近經濟與社會發展的劇烈變化。此次展出經過近三年的研究調查,匯聚東協十國的四十七位藝術家,以及福岡美術館與森美術館的東南亞藝術館藏,呈現1980年代至今東南亞重要的當代藝術面貌。由東京流徙至位處東南亞與東北亞交界的台灣,更加突顯亞洲地理及政治的錯綜關係。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「太陽雨:1980年代至今的東南亞當代藝術」展場一景(圖版提供:高雄市立美術館;攝影:鄭景陽)
2. 藝時代崛起―李仲生與台灣現代藝術發展|國立台灣美術館
被譽為「台灣現代繪畫導師」的李仲生,除了在藝術創作上為台灣藝術史寫下新頁,也作育英才無數。其創作中鎔鑄潛意識、超現實與自動性技法,為平面繪畫開拓了不同的向度。他於1950年代開設的「美術研究班」教授「美術概論」,在台北市東區安東街的8坪大小畫室更成為台灣現代藝術的起源地。包含歐陽文苑、霍剛、蕭勤、李元佳、陳道明、吳昊、夏陽、蕭明賢等八位首批學生,以「東方畫會」將台灣現代藝術推向高峰。直至1957年李仲生移居彰化,仍有學生與藝術家南下向其學藝,這批在「精神傳精神」影響下的藝術家,陸續在日後開枝散葉。
「藝時代崛起─李仲生與台灣現代藝術發展」集結了李仲生及其門生等卅七位藝術家,展出素描、水彩、水墨、油畫、陶藝、複合媒材、雕塑、裝置乃至數位互動裝置,藉此深入梳理李仲生藝術理念的延續與發展,側寫出台灣現代藝術發展的輪廓。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「藝時代崛起─李仲生與台灣現代藝術發展」展場一景(圖版提供:國立台灣美術館)
3. TATTOO 刺青―身之印|高雄市立美術館
高雄市立美術館(以下簡稱「高美館」)與巴黎法國國家布利碼頭博物館(Muséedu quai Branly - JacquesChirac)首度合作策畫的「刺青─身之印」,以「刺青」這具有古老傳統的藝術為主題,藉由超過兩百件展品,探究跨越不同文化與地域的人們如何藉由刺畫於身體的印記,在複雜的美學與技術之外,發展出階級、身分認同等社會意涵。在台灣的展出更添入本地視角,呈現南島民族以及台灣當代刺青文化的樣貌,除了台灣刺青師楊金祥的作品〈男性人體背部的刺青圖紋─相由心生〉等,亦納入高美館與高雄市立歷史博物館的典藏。
本次展出共分為「從全球到邊緣」、「運轉中的藝術」、「脫胎換骨:傳統刺青的復興」、「世界的新版圖」、「今日刺青」五個子單元;身具刺青實踐者、紀錄片創作者、作家等不同身分的策展人安妮與朱利安(Anne &Julien),由地緣至歷史、主流到次文化,深入梳理刺青的文化意義,思考刺青是否也可以成為一門藝術,又是否能在美術館的白盒子裡做出一種「活著」的展覽。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「TATTOO 刺青─身之印」展場一景(圖版提供:高雄市立美術館;攝影:鄭景陽)
4. 人生浣腸―邱亞才回顧展|宜蘭美術館
與朱銘、林淵等「素人藝術家」齊名的邱亞才於2013年逝世,宜蘭美術館以「人生浣腸」為題,紀念這位歷經曲折仍創作不輟的畫家。「人生浣腸」既是邱亞才的著作也是同名畫作,對應著藝術家透過創作來治療心靈的便秘,「以求長久閉塞後所感受解脫的快感」。幽默的譬喻一如畫中的人物,嘲諷地訕笑著那有待疏通的苦悶人生。
展覽依照邱亞才肖像創作的類型略分為六個主題:其中「藝術家的肖像」試圖展現他筆下的藝術家形象,以及從而表現出來的自我認同;「肖像的身分(男╱女)」、「裸像」、「肖像的表情與情緒」則試圖區分其肖像畫的類型,考掘各類型肖像所透露出來的訊息;「風景中的肖像」則探究人物與風景的結合如何表達心境;最後則展出少數幾幅的「靜物畫」。藝術家筆下的浮世肖像亦是他個人的內在映照,當代觀者則能透過鏡像的折射,窺見藝術家所見的世界。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「人生浣腸─邱亞才回顧展」展場一景(圖版提供:宜蘭美術館)
5. 以光織界:徐永旭的藝術世界|高雄市立美術館
由高美館館長李玉玲與新加坡建築師陳家毅共同策展的「以光織界:徐永旭的藝術世界」,以「光」為主軸呈現徐永旭自2011年至今的廿一組件重量級代表作,其中包含首度發表、高近兩層樓的薄層高溫陶巨型作品〈2019-1〉。徐永旭出生於高雄,1995年以作品〈白色樂章∼共舞Ⅱ〉獲得高美館主辦之「高雄市第十二屆美術展覽」工藝類第二名,後續也在「美術高雄2006─高雄陶:衍續.重釋」展出,並於2007年舉辦「創作論壇:黏土劇場─徐永旭個展」。
徐永旭長久以來以特殊的技法建立明確的風格,他將泥土燒煉為薄、透、堅實並且拉大量體張力,而在「以光織界」的展出中,即透過「光」的流動來探究作品的形式與內容。其作品的肌理、孔隙,以及巨大的量體帶來的視覺震撼,在高美館的空間中為觀者帶來與過往不同的感官經驗。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「以光織界:徐永旭的藝術世界」展場一景(圖版提供:高雄市立美術館)
6. 美少女の美術史|國立台北教育大學北師美術館
「美少女の美術史」由國立台北教育大學北師美術館與財團法人福祿文化基金會合作,並由國立台北教育大學教授林曼麗擔任總策畫,青森縣立美術館學藝員工藤健志策展,匯集鈴木春信、鏑木清方、高橋真琴、奈良美智、手塚治虫、丸尾末廣等逾六十多位藝術家,以近兩百件作品揭示時空跨度三百餘年「美少女」在視覺上的文化發展。
展覽分為「少女的誕生與開展」、「躍動少女」、「神之少女」、「少女心事」、「偶像少女」、「觀用少女」等六個子題,從大正浪漫代表畫家高畠華宵、竹久夢二、中原淳一筆下的少女,到虛擬角色初音未來,透過浮世繪、洋畫、日本畫、漫畫、雕塑與新媒體藝術,展呈「少女」形象在傳統藝術與流行文化中的變化與互涉,也以生動的形式提供台灣觀眾觀看「少女」之文化意義的一個視點。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「美少女の美術史」展場一景(圖版提供:北師美術館;攝影:吳政融)
7. 巨匠的剪影―張大千120歲紀念大展|國立故宮博物院
國立故宮博物院(以下簡稱「故宮」)與國立歷史博物館共同展出張大千的書畫、印章與珍貴照片。
張大千與故宮的淵源匪淺,身後將他珍藏的書畫、用印贈予故宮,並將其故居摩耶精舍捐出成立紀念館。目前在台灣典藏張大千書畫作品的博物館即為史博館與故宮,其中史博館重要典藏張大千百餘幅書畫,多為其旅歐時期所作,精彩展現張大千由成熟的寫意風格,演變至晚年潑墨潑彩的繪畫藝術發展歷程。而故宮典藏有張大千於1940年代赴敦煌臨摹古代石窟壁畫精作數十件,以及其返台定居後藝術生涯最終階段的創作。此次兩館於藝術家的一百廿歲誕辰,以「大千師友」、「大千摹古」、「大千與敦煌」、「大千自運」、「大千自畫像」、「大千鉅作」、「大千與臺灣」、「大千自用印」八大單元,完整展呈其早期、中期至晚期藝術精神與風格面貌,也讓觀眾有機會一睹許多難得一見的經典之作。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「巨匠的剪影─張大千120歲紀念大展」展場一景(攝影:羅珮慈)
7. 池田亮司個展|台北市立美術館
池田亮司個展係由台北市立美術館(以下簡稱「北美館」)策展人蕭淑文與客座策展人林怡華共同策畫,為藝術家近十年在亞洲最全面性的大型個展。此次的展出涵蓋大型聲音雕塑、視聽裝置、燈箱等作品,更有數件為本次展出特別打造的平面新作;同時個展中亦展示數幅少見的測試稿與手稿,並於視聽體驗區展陳音樂會影片、音樂作品與書籍,藉由藝術家的各種面向呈現兼具微觀與宏觀視野的時空圖景。
池田亮司擅長以科技為媒介創造沉浸式環境,創作涉及數學、量子力學、哲學,並且混和聲響、音樂、影像、物理現象、數學概念組構現場裝置及演出,透過物理現象背後的數學結構隱喻宇宙之宏大,並以去人類中心的視點拓寬觀者的認知,開啟嶄新的感受方式。藝術家的足跡遍及紐約公園大道軍械庫、巴黎龐畢度中心、德國卡爾斯魯厄藝術與媒體中心、日本東京都現代美術館、新加坡藝術科學博物館等,此次在台灣的展出,亦開啟台灣對音像藝術的新視野。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
池田亮司 符碼─詩 2018 3台DLP(數位光處理)投影機、電腦、揚聲器 於台北市立美術館「池田亮司個展」展場一景(圖版提供:台北市立美術館)©Ryoji Ikeda & Taipei Fine Arts Museum, Photo by LU Kuo-wei
8. 2019亞洲藝術雙年展―來自山與海的異人|國立台灣美術館
第七屆亞洲藝術雙年展由台灣藝術家許家維和來自新加坡的何子彥共同策畫,以「來自山與海的異人」為題,擘畫出一幅概念矩陣圖,以之做為其策展概念的思考模型,呈現來自十六國、逾卅位╱組當代藝術家對亞洲地區政治、歷史、經濟等層面的人文議題以及科技議題的詮釋與反思。此次展覽亦透過超越平地國家、匯聚著法外之徒與流徙之民的贊米亞高地與蘇祿海,以非人視野打破主流敘事以開啟更多的想像與討論,進而鬆綁亞洲諸多關乎政治與歷史的意識型態詮釋框架。
展名當中的「異人」即來自由日本民族學學者折口信夫提出的古語「稀人」,意指帶著禮物、遠道來訪的神明。「來自山與海的異人」建基於矩陣之上,打開讓異人們彼此相遇的場域,重新想像並解放「亞洲」。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
丁昶文 處女地 2019 強化玻璃地板、紫外線燈管、霓虹燈管、金雞納樹原材、奎寧水、多頻道錄像 尺寸依場地而異(攝影:許楚君)
9. 生生不息―黃銘哲個展|宜蘭美術館
黃銘哲投身藝術五十餘載,曾師從席德進與李德,扎下寫實與抽象的繪畫基礎。其創作媒材多元,涵蓋繪畫、雕塑、裝置藝術與公共藝術。黃銘哲初期以鄉土與親情為題材的寫實繪畫,自美返台後延伸出象徵性的構圖與唯美的女性圖象,1990年代之後復轉向抽象表現主義;2004年至北京成立工作室,開始創作帶有自畫像意涵的「國王」系列與「面對現實」系列;至2008年於故鄉宜蘭五結鄉成立工作室,「生生不息」系列於平面作品的畫面中心挖洞、置入金屬裝置穿透結構,顛覆了繪畫的平面性,更轉向對宇宙生命的探討。
此次在宜蘭美術館個展,黃銘哲展出的即是回到宜蘭後的「生生不息」系列,對於藝術技法與觀念的顛覆,也讓觀者得以看見畫家晚期如何在歷經幾番蛻變與沉澱之後,形成成熟而凝鍊的風格。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「生生不息─黃銘哲個展」展場一景(圖版提供:宜蘭美術館)
9. 于彭:行者.天上.人間|台北市立美術館
自于彭於2014年過世之後,策展人吳超然籌畫五年,於北美館展出于彭家屬收藏與在外散落的近一百七十件作品,以多元的媒材與風格完整地呈現這位傳奇藝術家的藝術世界。
展覽將于彭早期的素描與水彩、中期定居上海的「慾望山水╱人物」系列,以及2005至2014年過世前往返兩岸的大量創作,讓觀者得以看見他在水墨之外的素描與粉彩作品,如何將西方素描線條轉化為中晚期的精采筆墨。同時,此次展出于彭的油畫、版畫、書法、石雕與手繪陶瓷,亦可窺見其具有獨創性與個性的表達。
此次展覽共規畫為八個展區,包含:早期素描、粉彩與油畫、書法與小品冊頁、早期水墨、大型水墨連作、晚期油畫與水墨、晚期素描、粉彩、油畫、文獻資料、私人書信與為本展拍攝之紀錄片,以及畫室情境展示區,展出于彭生前所用之家具與文房四寶。由此鉅細靡遺地展現這位藝術家無法以三言兩語含括的複雜性。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「于彭:行者.天上.人間」展場一景 ©北美館TFAM
10. 她的抽象|台北市立美術館
以對於「抽象藝術」重新以當代視點重新審視為研究起點,這檔由文貞姬、王品驊兩位策展人共同策畫的展覽囊括了台灣、日本與韓國三地的女性藝術家,頗具系統地梳理第二次世界大戰至今的抽象藝術發展軌跡,破除一般對抽象藝術陽剛、理性的印象,由女性創作者的角度為之重新定義。
展覽以「東亞、抽象、女性」為策展研究的關鍵詞,探究西方現代藝術抽象理念,如何旅行於東亞各地,經轉譯後體現於女性藝術家的抽象藝術創作,進一步形成東亞文化新藝術系譜。
此次除展出北美館的重要典藏,更有來自日本東京國立近代美術館、京都國立近代美術館、金澤21世紀美術館、首爾MMCA國立現代美術館等館借展重要典藏。除了台灣的楊世芝、薛保瑕,韓國的崔郁卿、安美子,亦可見到草間彌生、田中敦子於第二次世界大戰戰後於形式與觀念上進行的前衛實驗。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「她的抽象」展場一景 ©北美館TFAM
1. 太陽雨:1980年代至今的東南亞當代藝術|高雄市立美術館
「太陽雨:1980年代至今的東南亞藝術」(以下簡稱「太陽雨」),係由近年頗獲矚目的策展人片岡真實擔任總策展人,連結十四位來自東京森美術館與國立新美術館以及東南亞獨立策展人共同策畫,繼2017年於東京森美術館之後,於高雄市立美術館巡迴展出。
「太陽雨」的概念來自東南亞地區常見的天氣現象:在陽光照耀之際,有雨水灑落。多變複雜的天氣同時隱喻東南亞各國經歷殖民、獨立、獨裁與民主化的歷史變遷,以及晚近經濟與社會發展的劇烈變化。此次展出經過近三年的研究調查,匯聚東協十國的四十七位藝術家,以及福岡美術館與森美術館的東南亞藝術館藏,呈現1980年代至今東南亞重要的當代藝術面貌。由東京流徙至位處東南亞與東北亞交界的台灣,更加突顯亞洲地理及政治的錯綜關係。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「太陽雨:1980年代至今的東南亞當代藝術」展場一景(圖版提供:高雄市立美術館;攝影:鄭景陽)
2. 藝時代崛起―李仲生與台灣現代藝術發展|國立台灣美術館
被譽為「台灣現代繪畫導師」的李仲生,除了在藝術創作上為台灣藝術史寫下新頁,也作育英才無數。其創作中鎔鑄潛意識、超現實與自動性技法,為平面繪畫開拓了不同的向度。他於1950年代開設的「美術研究班」教授「美術概論」,在台北市東區安東街的8坪大小畫室更成為台灣現代藝術的起源地。包含歐陽文苑、霍剛、蕭勤、李元佳、陳道明、吳昊、夏陽、蕭明賢等八位首批學生,以「東方畫會」將台灣現代藝術推向高峰。直至1957年李仲生移居彰化,仍有學生與藝術家南下向其學藝,這批在「精神傳精神」影響下的藝術家,陸續在日後開枝散葉。
「藝時代崛起─李仲生與台灣現代藝術發展」集結了李仲生及其門生等卅七位藝術家,展出素描、水彩、水墨、油畫、陶藝、複合媒材、雕塑、裝置乃至數位互動裝置,藉此深入梳理李仲生藝術理念的延續與發展,側寫出台灣現代藝術發展的輪廓。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「藝時代崛起─李仲生與台灣現代藝術發展」展場一景(圖版提供:國立台灣美術館)
3. TATTOO 刺青―身之印|高雄市立美術館
高雄市立美術館(以下簡稱「高美館」)與巴黎法國國家布利碼頭博物館(Muséedu quai Branly - JacquesChirac)首度合作策畫的「刺青─身之印」,以「刺青」這具有古老傳統的藝術為主題,藉由超過兩百件展品,探究跨越不同文化與地域的人們如何藉由刺畫於身體的印記,在複雜的美學與技術之外,發展出階級、身分認同等社會意涵。在台灣的展出更添入本地視角,呈現南島民族以及台灣當代刺青文化的樣貌,除了台灣刺青師楊金祥的作品〈男性人體背部的刺青圖紋─相由心生〉等,亦納入高美館與高雄市立歷史博物館的典藏。
本次展出共分為「從全球到邊緣」、「運轉中的藝術」、「脫胎換骨:傳統刺青的復興」、「世界的新版圖」、「今日刺青」五個子單元;身具刺青實踐者、紀錄片創作者、作家等不同身分的策展人安妮與朱利安(Anne &Julien),由地緣至歷史、主流到次文化,深入梳理刺青的文化意義,思考刺青是否也可以成為一門藝術,又是否能在美術館的白盒子裡做出一種「活著」的展覽。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「TATTOO 刺青─身之印」展場一景(圖版提供:高雄市立美術館;攝影:鄭景陽)
4. 人生浣腸―邱亞才回顧展|宜蘭美術館
與朱銘、林淵等「素人藝術家」齊名的邱亞才於2013年逝世,宜蘭美術館以「人生浣腸」為題,紀念這位歷經曲折仍創作不輟的畫家。「人生浣腸」既是邱亞才的著作也是同名畫作,對應著藝術家透過創作來治療心靈的便秘,「以求長久閉塞後所感受解脫的快感」。幽默的譬喻一如畫中的人物,嘲諷地訕笑著那有待疏通的苦悶人生。
展覽依照邱亞才肖像創作的類型略分為六個主題:其中「藝術家的肖像」試圖展現他筆下的藝術家形象,以及從而表現出來的自我認同;「肖像的身分(男╱女)」、「裸像」、「肖像的表情與情緒」則試圖區分其肖像畫的類型,考掘各類型肖像所透露出來的訊息;「風景中的肖像」則探究人物與風景的結合如何表達心境;最後則展出少數幾幅的「靜物畫」。藝術家筆下的浮世肖像亦是他個人的內在映照,當代觀者則能透過鏡像的折射,窺見藝術家所見的世界。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「人生浣腸─邱亞才回顧展」展場一景(圖版提供:宜蘭美術館)
5. 以光織界:徐永旭的藝術世界|高雄市立美術館
由高美館館長李玉玲與新加坡建築師陳家毅共同策展的「以光織界:徐永旭的藝術世界」,以「光」為主軸呈現徐永旭自2011年至今的廿一組件重量級代表作,其中包含首度發表、高近兩層樓的薄層高溫陶巨型作品〈2019-1〉。徐永旭出生於高雄,1995年以作品〈白色樂章∼共舞Ⅱ〉獲得高美館主辦之「高雄市第十二屆美術展覽」工藝類第二名,後續也在「美術高雄2006─高雄陶:衍續.重釋」展出,並於2007年舉辦「創作論壇:黏土劇場─徐永旭個展」。
徐永旭長久以來以特殊的技法建立明確的風格,他將泥土燒煉為薄、透、堅實並且拉大量體張力,而在「以光織界」的展出中,即透過「光」的流動來探究作品的形式與內容。其作品的肌理、孔隙,以及巨大的量體帶來的視覺震撼,在高美館的空間中為觀者帶來與過往不同的感官經驗。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「以光織界:徐永旭的藝術世界」展場一景(圖版提供:高雄市立美術館)
6. 美少女の美術史|國立台北教育大學北師美術館
「美少女の美術史」由國立台北教育大學北師美術館與財團法人福祿文化基金會合作,並由國立台北教育大學教授林曼麗擔任總策畫,青森縣立美術館學藝員工藤健志策展,匯集鈴木春信、鏑木清方、高橋真琴、奈良美智、手塚治虫、丸尾末廣等逾六十多位藝術家,以近兩百件作品揭示時空跨度三百餘年「美少女」在視覺上的文化發展。
展覽分為「少女的誕生與開展」、「躍動少女」、「神之少女」、「少女心事」、「偶像少女」、「觀用少女」等六個子題,從大正浪漫代表畫家高畠華宵、竹久夢二、中原淳一筆下的少女,到虛擬角色初音未來,透過浮世繪、洋畫、日本畫、漫畫、雕塑與新媒體藝術,展呈「少女」形象在傳統藝術與流行文化中的變化與互涉,也以生動的形式提供台灣觀眾觀看「少女」之文化意義的一個視點。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「美少女の美術史」展場一景(圖版提供:北師美術館;攝影:吳政融)
7. 巨匠的剪影―張大千120歲紀念大展|國立故宮博物院
國立故宮博物院(以下簡稱「故宮」)與國立歷史博物館共同展出張大千的書畫、印章與珍貴照片。
張大千與故宮的淵源匪淺,身後將他珍藏的書畫、用印贈予故宮,並將其故居摩耶精舍捐出成立紀念館。目前在台灣典藏張大千書畫作品的博物館即為史博館與故宮,其中史博館重要典藏張大千百餘幅書畫,多為其旅歐時期所作,精彩展現張大千由成熟的寫意風格,演變至晚年潑墨潑彩的繪畫藝術發展歷程。而故宮典藏有張大千於1940年代赴敦煌臨摹古代石窟壁畫精作數十件,以及其返台定居後藝術生涯最終階段的創作。此次兩館於藝術家的一百廿歲誕辰,以「大千師友」、「大千摹古」、「大千與敦煌」、「大千自運」、「大千自畫像」、「大千鉅作」、「大千與臺灣」、「大千自用印」八大單元,完整展呈其早期、中期至晚期藝術精神與風格面貌,也讓觀眾有機會一睹許多難得一見的經典之作。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「巨匠的剪影─張大千120歲紀念大展」展場一景(攝影:羅珮慈)
7. 池田亮司個展|台北市立美術館
池田亮司個展係由台北市立美術館(以下簡稱「北美館」)策展人蕭淑文與客座策展人林怡華共同策畫,為藝術家近十年在亞洲最全面性的大型個展。此次的展出涵蓋大型聲音雕塑、視聽裝置、燈箱等作品,更有數件為本次展出特別打造的平面新作;同時個展中亦展示數幅少見的測試稿與手稿,並於視聽體驗區展陳音樂會影片、音樂作品與書籍,藉由藝術家的各種面向呈現兼具微觀與宏觀視野的時空圖景。
池田亮司擅長以科技為媒介創造沉浸式環境,創作涉及數學、量子力學、哲學,並且混和聲響、音樂、影像、物理現象、數學概念組構現場裝置及演出,透過物理現象背後的數學結構隱喻宇宙之宏大,並以去人類中心的視點拓寬觀者的認知,開啟嶄新的感受方式。藝術家的足跡遍及紐約公園大道軍械庫、巴黎龐畢度中心、德國卡爾斯魯厄藝術與媒體中心、日本東京都現代美術館、新加坡藝術科學博物館等,此次在台灣的展出,亦開啟台灣對音像藝術的新視野。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
池田亮司 符碼─詩 2018 3台DLP(數位光處理)投影機、電腦、揚聲器 於台北市立美術館「池田亮司個展」展場一景(圖版提供:台北市立美術館)©Ryoji Ikeda & Taipei Fine Arts Museum, Photo by LU Kuo-wei
8. 2019亞洲藝術雙年展―來自山與海的異人|國立台灣美術館
第七屆亞洲藝術雙年展由台灣藝術家許家維和來自新加坡的何子彥共同策畫,以「來自山與海的異人」為題,擘畫出一幅概念矩陣圖,以之做為其策展概念的思考模型,呈現來自十六國、逾卅位╱組當代藝術家對亞洲地區政治、歷史、經濟等層面的人文議題以及科技議題的詮釋與反思。此次展覽亦透過超越平地國家、匯聚著法外之徒與流徙之民的贊米亞高地與蘇祿海,以非人視野打破主流敘事以開啟更多的想像與討論,進而鬆綁亞洲諸多關乎政治與歷史的意識型態詮釋框架。
展名當中的「異人」即來自由日本民族學學者折口信夫提出的古語「稀人」,意指帶著禮物、遠道來訪的神明。「來自山與海的異人」建基於矩陣之上,打開讓異人們彼此相遇的場域,重新想像並解放「亞洲」。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
丁昶文 處女地 2019 強化玻璃地板、紫外線燈管、霓虹燈管、金雞納樹原材、奎寧水、多頻道錄像 尺寸依場地而異(攝影:許楚君)
9. 生生不息―黃銘哲個展|宜蘭美術館
黃銘哲投身藝術五十餘載,曾師從席德進與李德,扎下寫實與抽象的繪畫基礎。其創作媒材多元,涵蓋繪畫、雕塑、裝置藝術與公共藝術。黃銘哲初期以鄉土與親情為題材的寫實繪畫,自美返台後延伸出象徵性的構圖與唯美的女性圖象,1990年代之後復轉向抽象表現主義;2004年至北京成立工作室,開始創作帶有自畫像意涵的「國王」系列與「面對現實」系列;至2008年於故鄉宜蘭五結鄉成立工作室,「生生不息」系列於平面作品的畫面中心挖洞、置入金屬裝置穿透結構,顛覆了繪畫的平面性,更轉向對宇宙生命的探討。
此次在宜蘭美術館個展,黃銘哲展出的即是回到宜蘭後的「生生不息」系列,對於藝術技法與觀念的顛覆,也讓觀者得以看見畫家晚期如何在歷經幾番蛻變與沉澱之後,形成成熟而凝鍊的風格。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「生生不息─黃銘哲個展」展場一景(圖版提供:宜蘭美術館)
9. 于彭:行者.天上.人間|台北市立美術館
自于彭於2014年過世之後,策展人吳超然籌畫五年,於北美館展出于彭家屬收藏與在外散落的近一百七十件作品,以多元的媒材與風格完整地呈現這位傳奇藝術家的藝術世界。
展覽將于彭早期的素描與水彩、中期定居上海的「慾望山水╱人物」系列,以及2005至2014年過世前往返兩岸的大量創作,讓觀者得以看見他在水墨之外的素描與粉彩作品,如何將西方素描線條轉化為中晚期的精采筆墨。同時,此次展出于彭的油畫、版畫、書法、石雕與手繪陶瓷,亦可窺見其具有獨創性與個性的表達。
此次展覽共規畫為八個展區,包含:早期素描、粉彩與油畫、書法與小品冊頁、早期水墨、大型水墨連作、晚期油畫與水墨、晚期素描、粉彩、油畫、文獻資料、私人書信與為本展拍攝之紀錄片,以及畫室情境展示區,展出于彭生前所用之家具與文房四寶。由此鉅細靡遺地展現這位藝術家無法以三言兩語含括的複雜性。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「于彭:行者.天上.人間」展場一景 ©北美館TFAM
10. 她的抽象|台北市立美術館
以對於「抽象藝術」重新以當代視點重新審視為研究起點,這檔由文貞姬、王品驊兩位策展人共同策畫的展覽囊括了台灣、日本與韓國三地的女性藝術家,頗具系統地梳理第二次世界大戰至今的抽象藝術發展軌跡,破除一般對抽象藝術陽剛、理性的印象,由女性創作者的角度為之重新定義。
展覽以「東亞、抽象、女性」為策展研究的關鍵詞,探究西方現代藝術抽象理念,如何旅行於東亞各地,經轉譯後體現於女性藝術家的抽象藝術創作,進一步形成東亞文化新藝術系譜。
此次除展出北美館的重要典藏,更有來自日本東京國立近代美術館、京都國立近代美術館、金澤21世紀美術館、首爾MMCA國立現代美術館等館借展重要典藏。除了台灣的楊世芝、薛保瑕,韓國的崔郁卿、安美子,亦可見到草間彌生、田中敦子於第二次世界大戰戰後於形式與觀念上進行的前衛實驗。
(2019視覺藝術年度回顧全文閱讀2020年1月號536期藝術家雜誌)
「她的抽象」展場一景 ©北美館TFAM